Gustav Klimt : सोना, स्त्रियाँ और वह प्रतिभा जिसने वियना को चमकाया

ऐतिहासिक संदर्भ

Gustav Klimt कहाँ से आए, एक बहुत अच्छी समझ के अलावा?

1862 में बॉमगार्टन में जन्मे, जो उस समय वियना का एक उपनगर था और आज राजधानी में शामिल है, Gustav एक साधारण लेकिन शिल्प से ओत-प्रोत परिवार में बड़े हुए। उनके पिता, Ernst Klimt, सोने पर नक्काशी करने वाले थे, एक जीवनी संबंधी विवरण जो पूरी तरह से समझ में आता है जब हम बेटे द्वारा बाद में सोने की पत्ती के साथ प्रदर्शित तकनीकी निपुणता को देखते हैं। किशोरावस्था से ही, Gustav ने वियना के प्रसिद्ध Kunstgewerbeschule, कला और शिल्प विद्यालय में प्रवेश लिया, जहाँ उन्होंने केवल अकादमिक नग्न चित्र बनाना नहीं सीखा। उन्होंने सजावट की संस्कृति को आत्मसात किया, यह सीखते हुए कि पेंटिंग छतों को ढक सकती है, स्मारकीय सीढ़ियों को सजा सकती है और वास्तुकला के साथ संवाद कर सकती है, बजाय इसके कि वह डरपोक होकर उससे चिपकी रहे।

यह मिश्रित प्रशिक्षण एक ऐसे कलाकार को तैयार करता है जो बड़े प्रारूप में सोचने में सक्षम है, सैलून चित्रकारों के अलग-थलग चित्रफलकों से दूर। उनके पहले प्रमुख कार्य कार्ल्सबैड के थिएटरों या वियना के कला इतिहास संग्रहालयों के लिए सार्वजनिक आदेश थे, जो उनके भाई Ernst और उनके मित्र Franz Matsch के साथ मिलकर बनाए गए थे। ये ऐतिहासिक भित्ति चित्र, हालाँकि उस समय अनुरूपवादी थे, उन्हें जटिल रचना और दृश्य कथा में महारत हासिल करने की अनुमति देते हैं। फिर भी, एक गंभीर युवक के इस मुखौटे के पीछे, जो साम्राज्य के आदेशों को पूरा कर रहा था, पहले से ही उन कठोर कोडों को तोड़ने की इच्छा पनप रही थी जो 19वीं सदी के अंत में वियना की रचनात्मकता का दम घोंट रहे थे।

कलात्मक शैली

वियना बदलता है, Klimt भी बदलता है: अकादमिकवाद पसीना बहाने लगता है

1900 का वियना एक उबलता हुआ बर्तन है जहाँ फ्रायड का मनोविश्लेषण और महलर का संगीत संस्कृति को फिर से परिभाषित कर रहे हैं, जबकि आधिकारिक कला एक आश्वस्त करने वाले यथार्थवाद में जमी हुई है। 1897 में, वियना विश्वविद्यालय के लिए उनकी रूपक चित्रों के बाद हुए तीखे आलोचनाओं से तंग आकर, जिन्हें बहुत अश्लील और अस्पष्ट माना गया, Klimt पारंपरिक कलाकार संघ का दरवाजा बंद कर देता है। वह तब वास्तुकारों जैसे Josef Hoffmann और चित्रकार Koloman Moser के साथ वियना सेसेशन की स्थापना करता है, यह घोषणा करते हुए कि प्रत्येक युग को अपनी कला, प्रत्येक कला को अपनी स्वतंत्रता। यह आंदोलन केवल अलग ढंग से प्रदर्शित करना नहीं चाहता, बल्कि ललित कलाओं और व्यावहारिक कलाओं के बीच तिरस्कारपूर्ण पदानुक्रम को समाप्त करना चाहता है।

उनकी पत्रिका, Ver Sacrum, इस नए दृष्टिकोण का ग्राफिक घोषणापत्र बन जाती है, जहाँ टाइपोग्राफी, चित्रण और पेज लेआउट एक संपूर्ण कला कृति में विलीन हो जाते हैं। Klimt इसमें जटिल सजावटी फ्रेमों के साथ प्रयोग करता है जो पेंटिंग को उसकी भौतिक सीमाओं से परे विस्तारित करते हैं, पहले से ही उस आभूषण के प्रति जुनून की घोषणा करते हैं जो उनकी परिपक्वता की विशेषता होगी। अकादमिकवाद के साथ यह विराम तकनीक की अस्वीकृति नहीं है, बल्कि विषय की मुक्ति है: आंतरिक और प्रतीकात्मक सत्य अब फोटोग्राफिक समानता पर प्राथमिकता रखता है। कलाकार समझता है कि एक भोजन कक्ष या एक निजी सैलून की दीवार उतनी ही अवधारणात्मक ध्यान की हकदार है जितनी एक धूल भरे संग्रहालय में प्रदर्शित एक उस्ताद की कैनवास।

स्वर्ण काल

यह सब सोना क्यों? क्योंकि बेज रंग बहस हार गया था

यदि आपको लगता है कि Klimt ने पेंटिंग करने के लिए ऑस्ट्रियाई राष्ट्रीय बैंक के तिजोरियाँ खाली कर दीं, तो आप इरादे के बारे में पूरी तरह से गलत नहीं हैं, भले ही तकनीक अलग हो। उनका स्वर्ण काल, लगभग 1903 में शुरू हुआ, सीधे इटली के रेवेना की यात्रा से उत्पन्न होता है जहाँ उन्होंने सैन विटाले चर्च के बीजान्टिन मोज़ाइक की खोज की। इस बात से मोहित होकर कि कैसे ये सुनहरे टेसेरा दिव्य प्रकाश को पकड़ते हैं, स्थान को समतल करते हैं और आकृतियों को आध्यात्मिक बनाते हैं, वह इस पवित्र भाषा को आधुनिक सांसारिक चित्रकला में आयात करने का निर्णय लेते हैं। वह पारंपरिक परिप्रेक्ष्य और यथार्थवादी मॉडलिंग को बहुमूल्य सपाट सतहों से बदल देते हैं, वास्तविक सोने और चांदी की पत्ती का उपयोग करते हुए जिसे वह एक सुनार की सटीकता के साथ लगाते हैं।

यह सोने की परत केवल एक विलासितापूर्ण गैजेट नहीं है जो वियना के बुर्जुआ वर्ग को खुश करने के लिए है; यह विषयों को उनकी सांसारिक अस्थायीता से निकालकर प्रतीक की अनंतता में स्थापित करने का काम करती है। एडेल बलोच-बाउअर I के चित्र जैसे कार्यों में, सोना आदेश देने वाली महिला को एक धार्मिक ताबूत की तरह ढँक लेता है, उस युग की एक यहूदी बुर्जुआ महिला को एक कालातीत आइकन में बदल देता है। पदार्थ संदेश बन जाता है: दृश्य समृद्धि पात्रों के चारों ओर एक सुरक्षात्मक बाधा बनाती है, उन्हें एक स्वप्निल स्थान में अलग करती है जहाँ गुरुत्वाकर्षण और स्थानिक तर्क के नियम लागू नहीं होते। अकादमिक बेज रंग ने उस चकाचौंध भरी चमक के सामने बहस हार दी थी जो एक आधुनिकता थी जो पूरी तरह से अपने सजावटी आयाम को अपना रही थी।

स्त्री चित्र

Klimt में महिलाएँ: मॉडल, आइकन और वे निगाहें जो कुछ जानती हैं

Klimt के बारे में बात करना असंभव है बिना उनके काम में स्त्री आकृति द्वारा कब्जाए गए केंद्रीय, लगभग एकाधिकार स्थान का उल्लेख किए। चाहे वह अमीर आदेश देने वाली महिलाओं जैसे एडेल बलोच-बाउअर के चित्र हों या रूपक आकृतियाँ जैसे जूडिथ जो होलोफर्नेस का सिर पकड़े हुए है, Klimt में महिला कभी निष्क्रिय नहीं होती। उसके पास एक निर्लज्ज कामुकता है, कभी-कभी परेशान करने वाली, जो देर से विक्टोरियन युग की नैतिक कठोरता के साथ हिंसक रूप से विपरीत है। जूडिथ I में, उदाहरण के लिए, बाइबिल की नायिका को एक पवित्र मुक्तिदाता के रूप में नहीं, बल्कि एक घातक महिला के रूप में चित्रित किया गया है जिसकी आधी बंद आँखें लगभग कामुक परमानंद में डूबी हुई हैं, जिसने वियना के रूढ़िवादी आलोचकों को चौंका दिया।

ये शरीर अक्सर खंडित होते हैं, ज्यामितीय या जैविक रूपांकनों की लहरों के नीचे डूबे हुए जो उन्हें अवशोषित करते हुए उन्हें उदात्त बनाने लगते हैं। हाथ, चेहरे और पैर ही एकमात्र ऐसे हिस्से हैं जिन्हें कोमल प्रकृतिवाद के साथ चित्रित किया गया है, जो अमूर्त सजावट के महासागर के बीच जीवित मांस के द्वीपों के रूप में उभरते हैं। शारीरिक वास्तविकता और सजावटी अमूर्तता के बीच यह तनाव एक सम्मोहक उपस्थिति बनाता है: महिला एक साथ विषय और सजावट, मानव और मूर्तिपूजक देवी बन जाती है। Klimt एक रहस्यमय आंतरिकता को पकड़ता है, यह सुझाव देते हुए कि उसके मॉडल ऐसे रहस्य जानते हैं जिन्हें दर्शक, उसकी आँखों को दी गई समृद्धि के बावजूद, कभी पूरी तरह से नहीं समझ पाएगा।

कला और विवरण

द किस: प्रेम, सोना और सोफे के कुशन पर भारी दबाव

द किस, जो 1907 और 1908 के बीच बनाया गया और आज वियना के बेल्वेडियर संग्रहालय में रखा गया है, निस्संदेह कलाकार की सबसे प्रतिष्ठित कृति है, जो अकेले ही उनके पूरे सौंदर्य दर्शन का सार प्रस्तुत करती है। इसमें हम एक आलिंगनबद्ध जोड़े को एक फूलों वाले कालीन पर घुटनों के बल बैठे देखते हैं, एक अमूर्त खाई के किनारे पर, एक ठोस सोने के लबादे में लिपटे हुए जो उनके दो शरीरों को एक चमकदार इकाई में मिला देता है। पुरुष, जिसका वस्त्र काले और सफेद आयताकार रूपांकनों से सुशोभित है जो एक संरचित मर्दाना शक्ति का संकेत देते हैं, अपना सिर अपनी साथी की ओर झुकाता है जिसका पहनावा रंगीन वृत्तों और कोमल सर्पिलों से फूटता है, जो एक तरल और प्रचुर स्त्रीत्व के प्रतीक हैं।

यह पेंटिंग पूर्ण प्रेम के एक धर्मनिरपेक्ष आइकन की तरह काम करती है, जहाँ शारीरिक आलिंगन एक आध्यात्मिक संलयन बन जाता है जो सोने के जादू से संभव हुआ है। रचना इतनी घनी, हाथ से चित्रित सूक्ष्म विवरणों से इतनी संतृप्त है कि यह दर्शक पर तत्काल दृश्य दबाव डालती है। कोई पृष्ठभूमि नहीं है, कोई आकाश नहीं है, कोई यथार्थवादी परिदृश्य नहीं है: केवल यह समय से बाहर निलंबित क्षण मायने रखता है। इस कृति की एक प्रतिकृति को एक इंटीरियर में लटकाने का मतलब है उसमें दुर्लभ तीव्रता का एक केंद्र बिंदु स्थापित करना, जो एक कमरे के वातावरण को तुरंत जुनून और औपचारिक सुंदरता को समर्पित एक अभयारण्य में बदलने में सक्षम है।

कला और विवरण

बिना प्रोफेसर का आवर्धक कांच लहराए Klimt को कैसे पहचानें?

पहली नज़र में Klimt की एक कैनवास की पहचान करने के लिए कला इतिहास में डॉक्टरेट की आवश्यकता नहीं है, बल्कि बनावट और स्थान के प्रबंधन पर विशेष ध्यान देने की आवश्यकता है। सबसे स्पष्ट संकेत निश्चित रूप से दोहराए जाने वाले रूपांकनों का सर्वव्यापी उपयोग है जो सतहों और कपड़ों को ढँकते हैं: चेकरबोर्ड, तराजू, शैलीबद्ध आँखें, सर्पिल और ज्यामितीय आकृतियाँ एक जटिल दृश्य कालीन बनाने के लिए आपस में जुड़ती हैं। प्रभाववादियों के विपरीत जो प्राकृतिक प्रकाश के कंपन को पकड़ने की कोशिश करते थे, Klimt एक आंतरिक प्रकाश का निर्माण करता है, जो बहुमूल्य सामग्रियों पर प्रतिबिंब और उसके सपाट सतहों के रंग संतृप्ति से उत्पन्न होता है।

एक और अचूक संकेत चेहरों और मांस के उपचार में निहित है, जो हमेशा चिकने, चीनी मिट्टी के और हल्के गुलाबी होते हैं, जो कपड़ों और पृष्ठभूमि की बनावट वाली समृद्धि के साथ मौलिक रूप से विपरीत होते हैं। यह द्वंद्व एक कोलाज प्रभाव पैदा करता है, जहाँ वास्तविकता एक अमूर्त दुनिया पर तैरती हुई प्रतीत होती है। इसके अलावा, रचना अक्सर सामने की ओर होती है, बिना गहरे परिप्रेक्ष्य के, जो दृष्टि को सतह पर रहने और आभूषण के अनंत विवरणों का पता लगाने के लिए मजबूर करती है। यदि आप एक ऐसी महिला देखते हैं जिसका पहनावा टूटे हुए रंगीन कांच के टुकड़ों से बना हुआ लगता है, जो उन्मत्त सटीकता के साथ पुनः संयोजित किया गया है, तो आप सबसे अधिक संभावना Klimt के ब्रह्मांड का सामना कर रहे हैं।

वियना सेसेशन

Schiele, Mucha, Moser: कलात्मक पड़ोसी जो चुपचाप दरवाजे पर नहीं रुकते

हालाँकि Klimt वियना के दृश्य पर हावी है, उसे उनके समकालीनों से अलग नहीं किया जाना चाहिए जिन्होंने सभी ने केंद्रीय यूरोपीय आर्ट नोव्यू और प्रतीकवाद को परिभाषित करने में योगदान दिया। Egon Schiele, उनके विद्रोही संरक्षक, ने मानव शरीर की खोज को बहुत आगे बढ़ाया, एक कच्ची, कोणीय और कभी-कभी हिंसक अभिव्यक्ति की ओर जो उनके गुरु की सजावटी कोमलता के विपरीत है। इसके विपरीत, Alphonse Mucha, हालाँकि चेक और पेरिस में सक्रिय, Klimt के साथ घुमावदार रेखाओं, घने बालों और आदर्शीकृत महिला के प्रति प्रेम साझा करता है, हालाँकि Mucha की शैली अधिक चित्रात्मक और व्यावसायिक बनी हुई है, मनोवैज्ञानिक रूप से कम पीड़ित।

सेसेशन के भीतर ही, Koloman Moser और Josef Hoffmann जैसे कलाकारों ने संपूर्ण सौंदर्यशास्त्र बनाने के लिए Klimt के साथ कंधे से कंधा मिलाकर काम किया। Moser, विशेष रूप से, ग्राफिक डिजाइन और सजावटी कलाओं में उत्कृष्ट थे, उन्हीं कठोर ज्यामितीय रूपांकनों के सिद्धांतों को लागू करते हुए जो Klimt के चित्रों के कपड़ों में पाए जाते हैं। इन संबंधों को समझने से यह समझने में मदद मिलती है कि Klimt आकाश से गिरा हुआ कोई अकेला प्रतिभाशाली नहीं था, बल्कि एक सामूहिक आंदोलन का संचालक था जो कला और दैनिक जीवन के बीच संबंध को फिर से परिभाषित करना चाहता था। उनके रास्ते सेसेशन की प्रदर्शनियों और ब्रुसेल्स में स्टोकलेट पैलेस के आदेशों में मिलते हैं, जो इस अंतःविषय सहयोग का शिखर है।

कला और विवरण

जब इंटरनेट बहुत तेज़ बोलता है तो संग्रहालय क्या बताते हैं

डिजिटल युग में जहाँ तीन सौ पिक्सेल की एक संपीड़ित छवि अक्सर किसी कृति का न्याय करने के लिए पर्याप्त होती है, Klimt के काम के वास्तविक आयाम को समझने के लिए संस्थागत स्रोतों पर वापस जाना महत्वपूर्ण है। वियना का बेल्वेडियर संग्रहालय सबसे पूर्ण संग्रह रखता है, जिसमें द किस और एडेल बलोच-बाउअर I का चित्र शामिल है, जो वास्तविक पैमाने और सोने की परतों की भौतिक चमक की सराहना करने की अनुमति देता है जिसे कोई स्क्रीन सटीक रूप से पुन: प्रस्तुत नहीं कर सकती। इसी तरह, लियोपोल्ड संग्रहालय, सेसेशन कार्यों के अपने विशाल संग्रह के साथ, कलाकार की शैलीगत विकास और Schiele के साथ उनके संबंधों को समझने के लिए एक अनिवार्य संदर्भ प्रदान करता है।

अटलांटिक पार स्थित उत्साही लोगों के लिए, न्यूयॉर्क का न्यू गैलरी अमेरिकी निजी संग्रह से प्रमुख टुकड़े रखता है, जो संयुक्त राज्य अमेरिका में Klimt के स्वागत पर एक अलग प्रकाश डालता है। Wikidata या Wikimedia Commons जैसे डेटाबेस तिथियों और आरोपण के लिए उपयोगी हैं, लेकिन वे पदार्थ के अनुभव को प्रतिस्थापित नहीं करते हैं। इन संग्रहालयों के नोट्स धातु की पत्तियों और रंगद्रव्य के उपयोग पर विशेष तकनीकी विश्लेषण प्रदान करते हैं, इस प्रकार उन अत्यधिक सरलीकरणों को सुधारते हैं जो अक्सर सतही ब्लॉग लेखों या सोशल मीडिया पर त्वरित छवि कैप्शन में पाए जाते हैं।

कला और विवरण

Klimt को घर पर आमंत्रित करना बिना लिविंग रूम को शाही महल में बदले

समकालीन इंटीरियर में Klimt की प्रतिकृति को शामिल करने के लिए किट्स प्रभाव या भारी ऐतिहासिक पुनर्निर्माण से बचने के लिए थोड़ी कुशलता की आवश्यकता होती है। आदर्श विपरीत पर खेलना है: सोने और जटिल विवरणों से भरपूर एक कैनवास एक सादे दीवार पर बेहतर साँस लेगी, जो गहरे रंगों जैसे जंगल हरा, आधी रात नीला या यहाँ तक कि मैट ग्रे एन्थ्रेसाइट में रंगी हुई हो। इसे एक भारी सोने के फ्रेम में फ्रेम करने से पूरी तरह बचें जो कृति के साथ प्रतिस्पर्धा करेगा; एक पतला, काला या प्राकृतिक लकड़ी का फ्रेम चुनें, जो पेंटिंग के समृद्ध ब्रह्मांड पर खुलने वाली एक साफ खिड़की की तरह काम करता है।

कमरे का चुनाव भी निर्णायक है: एक लिविंग रूम में, द किस या ट्री ऑफ लाइफ की एक बड़ी प्रतिकृति एक सादे सोफे के ऊपर एक केंद्र बिंदु के रूप में काम कर सकती है, जो तत्काल अभिसरण का एक बिंदु बनाती है। एक शयनकक्ष या कार्यालय में, स्त्री चित्रों या परिदृश्य अध्ययनों को दर्शाने वाले अधिक अंतरंग प्रारूप कविता और शांत विलासिता का स्पर्श लाते हैं। महत्वपूर्ण बात यह है कि कृति को चिंतन के लिए आवश्यक स्थान दिया जाए; Klimt के रूपांकनों का दृश्य घनत्व मांग करता है कि आँख सूक्ष्म विवरणों में गोता लगाने से पहले समग्र सिम्फनी की सराहना करने के लिए पीछे हट सके।

आंतरिक सजावट

दीवार पर सोना लटकाने से पहले बचने योग्य गलतियाँ

पहली क्लासिक गलती केवल छवि की प्रसिद्धि के आधार पर एक प्रतिकृति चुनना है, बिना मुद्रण गुणवत्ता और रंगों की पुनर्स्थापना पर विचार किए। एक सस्ती प्रतिलिपि सोने की परतों को चपटा कर देगी, उन्हें एक सुस्त और एकसमान पीले रंग में बदल देगी जो मूल के प्रकाशमय जादू को खो देती है। उच्च-परिभाषा प्रिंट को प्राथमिकता देना अनिवार्य है, आदर्श रूप से कैनवास पर एक दृश्य बनावट के साथ, या गिक्ली मुद्रण तकनीकें जो सपाट सतहों की गहराई और धातु के रंगों की भिन्नता का अनुकरण करने में सक्षम हैं।

इसके बाद, प्रकाश व्यवस्था से सावधान रहें: एक अंधेरे कोने में या बहुत सीधी और फीकी रोशनी के नीचे Klimt रखने से दृश्य अनुभव बर्बाद हो सकता है। सोने को अपने बदलते रंगों को प्रकट करने के लिए गर्म और विसरित प्रकाश की आवश्यकता होती है, जो देखने के कोण के अनुसार बदलते हैं। अंत में, देखने की दूरी को न भूलें; एक संकीर्ण गलियारे में आँख के स्तर पर इतनी घनी कृति को लटकाना जहाँ कोई पीछे नहीं हट सकता, प्रतिकूल है। इन चित्रों को साँस लेने का स्थान दें और अपने मेहमानों को रुकने का समय दें, क्योंकि दौड़ते हुए Klimt को देखना एक जटिल कविता को हर दूसरी पंक्ति छोड़कर पढ़ने जैसा है।

यात्रा जारी रखने के लिए

स्रोत, संग्रह और विषय से वास्तव में जुड़े रास्ते

जानकारी सत्यापित करने, मुक्त छवियों की तुलना करने और बिना किसी ऐसे संग्रहालय में जाने के पढ़ने को बढ़ाने के लिए कुछ उपयोगी संदर्भ जिसने कुछ नहीं माँगा।